Categoría: Arte

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Conferencia de Jorge Fernández, director del Museo Nacional de Bellas Artes de Cuba.

«Los fundamentos de la nación. Un relato desde las colecciones del Museo Nacional de Bellas Artes de Cuba»

OCTUBRE – JUEVES 28 – 17.30 H.

FACULTAD DE BB.AA. – SALA DE EXPOSICIONES

El ciclo de exposiciones La posibilidad infinita. Pensar la nación fue organizado por el Museo Nacional de Bellas Artes de Cuba en abril de 2019 pretendía arrojar una mirada transversal a sus colecciones y poner a dialogar obras que se han generado en diferentes momentos históricos, producidas por artistas de diversas generaciones. Un museo debe hacer corresponder sus estrategias museológicas con un relato de nación que se construye a través de superposiciones culturales y como fragmentos dispersos.

Es sabido que cualquier pretensión de narración tiende a bifurcar los lindes entre el sujeto y el objeto porque los imaginarios de aquellos que la construyen se legitiman en la pluralidad de cualquier mirada. “La posibilidad infinita. Pensar la nación” es el intento de hacer un recorrido de carácter etnográfico, antropológico e histórico por las disímiles acepciones que puede tener el objeto como valor simbólico. La idea es que el arte pueda definir al arte en su propia naturaleza y a través del contexto en que sucede. Aunque el punto de partida es la creación visual, el concepto museográfico utilizará elementos del cine, la literatura, el teatro y los soportes documentales. Estarían presentes también los fundamentos de carácter etnológico que han estado en la formación de un país en constante transformación.

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ATENEO CRÍTICO

Sección de Arte del Ateneo de La Laguna.

Ateneo crítico comenzó como la recopilación a modo de memoria sobre la crítica de arte del período comprendido entre 2019-2020 en diferentes panoramas contextuales de diversos lugares del mundo. Lo que comenzó como una memoria crítica fue evolucionando progresivamente en una compilación de otras preocupaciones en relación a las artes. En ella se pueden apreciar diferentes estilos textuales y críticos, críticas a modelos museográficos, planteamientos sobre memoria y archivo, propuestas sobre derechos de trabajadores del arte, entrevistas a críticos de arte, conversaciones críticas con artistas, vinculaciones y lecturas a propósito de etnografía y arte, críticas antropológicas a modelos, prácticas en cuestión o descriptores de proyectos específicos.

Ante la posible devaluación de la crítica de arte en la esfera pública y en las manifestaciones públicas. Es decir, en prensa, radio y revistas especializadas, así como, la relativa poca presencia de la misma en el panorama local, Ateneo Crítico surge con la vocación de ser una memoria anual de las exposiciones y proyectos con más interés para cada colaborador en diferentes lugares y contextos. Se despliega como un compilador de proyectos y como un eco a diferentes prácticas e intereses que tienen en común destacar incertidumbres y certezas sobre la lectura de proyectos artísticos. Un laboratorio sobre contextos críticos y un ejercicio de vínculo entre interlocutores. Propone una puesta en valor por integrar voces, opiniones y reunirlas en una publicación. 

A modo de conversación la compilación formula un diálogo coral sobre el texto crítico como ejercicio de desvelamiento de aspectos y profundizaciones a propósito de la práctica artística, así como aspectos reseñables en el presente y la potencialidad de la crítica cultural. Esboza un lugar de posibilidad y aúna a agentes de diversas especialidades promoviendo el ensayo de la crítica para los especialistas y los que se inician en ella.

La publicación ha estado al cuidado de Orbelinda Bermúdez Domínguez y Juan José Valencia y ha sido diseñada por María J. Requena Durán. Ha sido patrocinada por el Cabildo de Tenerife y TGAS El Médano.

ENTRE LOS TEXTOS PODEMOS ENCONTRAR:

Un jeroglífico bajo el brazo. Daniel Barreto

Producir los medios de producción. Sistema de arte, precarización y derechos. Entendernos como agentes económicos y trabajadores de arte como acto político. Guillermina Bustos y Jorge Sepúlveda T. 

Del muerto al huerto: revisiones del museo y propuestas de cambio a partir de Donna Haraway. Dani Curbelo

Motos y autenticidad. José Díaz Cuyás 

Loro Parque. Ontologías y mutaciones del capitalismo para una nueva era turística. Pablo Estévez Hernández

Entrevista a Fabrícia Jordão. Exposición «Pequeños gestos: memorias disruptivas» – urgencias curatoriales en espacios de museos públicos. Paola Fabres

Pulsión guanche, pasión descolonial. Ucronía y negatividad en la pintura de Paco Sánchez. Roberto Gil Hernández

Hasta que pierda el sentido. Alba González Fernández

Dennis Guerra

El espacio inventado, el tiempo suspendido. La obra de Estefanía B. Flores. Kumar Kishinchand López

El cine en la representación de Auschwitz. V. Latuff

Cuadros médicos para un tiempo enfermo. Apuntes sobre la pintura de Juan José Valencia. Moneiba Lemes Lemes.

Conferencias: instrucciones de uso. Cristina Maya León

Diez poemas. Fred Michiels

Pintar el fracaso: la autocrítica como forma propia para el arte crítico. José Otero

Bienvenidos a la república independiente de mi casa. Diana Padrón

Publicación del Critical Athenaeum. Nia Pushkarova

Sobre la estetización de la existencia (Filosofía de andar por casa). Ramón Salas Lamamié

Políticas de archivo entre el estudio del artista y la esfera pública. Suset Sánchez Sánchez

Entrevista a Mariano de Santa Ana / Crítico de arte. Juan José Valencia

Arte en casa. Juan José Valencia

INFORMACIÓN Y DISTRIBUCIÓN:

email: info@ateneodelalaguna.com

Teléfono: 629 629 548

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MANUAL DE COREOGRAFÍAS

MASU FAJARDO

Exposición – Sala 2

SEPTIEMBRE – JUEVES 10 / OCTUBRE – SÁBADO 10

Lugar: Ex Convento de Santo Domingo. La Laguna Calle Santo Domingo, 7.

Participan: Cristina Hernández, Fidel Darias, Darío Bardam, Abraham Riverón, Adán Hernández, Ire Zireja, Paula Calavera, Mar Medina y Juanjo Valencia.

Manual de Coreografías es una reformulación del cadáver exquisito llevado al pensamiento escénico y, por tanto, todo lo contrario de lo que a priori sería un manual de coreografías al uso.

Estos textos nos permiten resituar la escena en la acción y en lo relacional, a la vez que se convierten en invitaciones a pensar juntos sobre lo común.

En este juego constructivo participamos en función de lo que ya está ocurriendo (texto) mediante la escucha y la observación del mismo, para avanzar a favor de lo que deviene un entre todos que no es de nadie.

El objetivo es deshacernos del “objetivo obra” para acercarnos a la cooperación hecha de recursos propios imaginados siempre en tiempos presentes. Una escena colectiva atravesada por resonancias afectivas, ecos y singularidades y en definitiva una politización del entre.

¿Podríamos pensar más en una escena como la manifestación de la economía de los afectos? ¿Una escena capaz de prescindir del cuerpo biológico para desplazarnos al cuerpo imaginario? Descolonizar la mirada escénica y sus cuerpos implica un despojamiento de manierismos y hábitos repetidos, un deshacer para gozar de una escena propia donde todos somos hacedores y observantes.

Manual de coreografías es una sutil y radical apuesta por el presente como único tiempo verbal performativo que transforma el pasado y deviene en un futuro ya presente.

Masufajardo.net

Horarios: L-V de 10.00 a 13.00 / 17.00 a 20.00 y S de 11.00 a 14.00 H.

Organiza: Sección de Arte del Ateneo                 

Colabora: Concejalía de Cultura del Ayuntamiento de La Laguna

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LA PRESENCIA NO CONCLUYE

Serge Arzoumanian

Inauguración de la exposición

JULIO: viernes 3 – 18.00 horas

Lugar: Convento de Santo Domingo – La Laguna

LA PRESENCIA NO CONCLUYE

“Señal secreta. Pasa de boca en boca una palabra de Schuler según la cual todo conocimiento debe contener un grano de sin-sentido, al igual que las alfombras o los frescos ornamentales de la Antigüedad siempre presentaban en algún sitio una ligera irregularidad en su diseño. Dicho de otra manera, lo decisivo no es la progresión de conocimiento en conocimiento, sino la brecha dentro de cada uno. Una imperceptible marca de autenticidad que la distingue de toda mercancía fabricada en serie.”

Cuando las imágenes tocan lo real, Georges Didi-Hubermann.

“Nada ciertamente, ni el más profundo de los hastíos, ni el más feroz de los desprecios por la vida empobrecida que se nos entrega como única realidad posible, podría devolvernos a alguna condición cumplida, no condenada a sólo poder realizarse -como proyecto, como experimento urdido hacia el futuro, desde nuestra rotunda e irrevocable caída en el tiempo. Es preciso aprender a amarse allí desvanecientes, afirmándose como plena positividad precisamente en tanto experimento pendiente, construcción en curso. Sí, es preciso recordar con el viejo Zaratustra que “la grandeza del hombre está en ser un puente y no una meta: lo que en el hombre se puede amar es que él es un tránsito y un ocaso”.

Un ruido secreto, José Luis Brea.

El umbral es un espacio liminar a partir del cual una señal comienza a manifestar su presencia; es el paso entre la nada y el todo, entre un interior y un exterior; es también un lugar de tránsito hacia lo desconocido. Un umbral es, en definitiva, una interrupción en el flujo continuo de las cosas.

Hoy en día, en la sociedad de la aceleración, los umbrales dejaron de ser posibles, dando paso a los saltos. Todo lo que genera una detención o un conflicto es omitido sistemáticamente. Los mecanismos estructurales del sistema excluyen todo lo que interfiere en la fluida circulación del código, “esa herramienta lingüística, que contiene, en sí misma, el despliegue futuro del objeto codificado” -en palabras de Franco Berardi- que proyecta en nuestro imaginario el único futuro que nos espera. Frente a este orden estable, reabrir lo indefinido, generando errores y provocando contradicciones que actualizan el sentido de cada cosa, despierta otra forma de resistencia.

Las piezas en este espacio expositivo juegan a generar interrupciones y alteraciones en la superficie de los objetos. Se sitúan en esa distancia infraleve de oscilación entre su extrema mudez material y sus posibilidades significantes; entre legibilidad e ilegibilidad. Alteran formas reconocibles provocando asociaciones y disonancias que devuelven a las cosas su dinamismo y su vitalidad. Estas nociones se acercan más a la realidad que a la idea de que todo es determinable y definible.

Buscar esos espacios de tránsito, de desajuste, en definitiva, localizar esa señal secreta que ayuda a no someter la producción del sentido a una economía de representación estable, se vuelve la única salida del terror de lo igual.

Serge Arzoumanian.

3 de JULIO a 8 de AGOSTO

Horario: L-V de 10.00 a 13.00 / 17.00 a 20.00 y S de 11.00 a 14.00 H.

Organiza: Sección de Arte del Ateneo de La Laguna

Colabora: Concejalía de Cultura del Ayuntamiento de La Laguna